ESP

Casado Santapau se complace en presentar To be at home in the world, la primera exposición individual en la galería de la artista holandesa Iris van Dongen (Tilburg, 1975).

A través de una práctica que combina pastel seco, carbón prensado, gouache y pintura acrílica sobre papel, Iris van Dongen presenta una serie de nuevos retratos, en los que la artista recompone elementos de diferentes estilos y culturas, desde el arte asiático hasta el Art Nouveau, configurando una nueva iconografía femenina que revisita la sensibilidad prerrafaelita desde una melancolía contemporánea. Su trabajo propone una mirada actual que dialoga con legado del romanticismo melancólico de Dante Gabriel Rossetti y la teatralidad dorada de Gustav Klimt, donde la introspección, la belleza y la tensión emocional se entrelazan con la delicadeza contenida. También resuenan en su imaginario la espiritualidad ambigua de Frida Kahlo y la sensibilidad onírica de Odilon Redon, que amplifican el carácter introspectivo de sus figuras.

En esta muestra destacan especialmente las representaciones de Judith, la heroína bíblica que decapita a Holofernes. Lejos de una interpretación violenta, van Dongen la presenta como un símbolo de determinación, resistencia y autonomía. Las Judith de van Dongen no son víctimas ni vengadoras; son testigos de su tiempo, mujeres que miran de frente, desafiantes, desde la fragilidad aparente del grafito y pastel.

“Me interesa lo que permanece bajo la superficie”, dice van Dongen. “Trabajo con el papel como un territorio íntimo, vulnerable pero resistente. Allí se dibujan las contradicciones de lo femenino: la belleza y la rabia, la serenidad y la fuerza”. Esa tensión entre lo visible y lo velado, entre la delicadeza técnica y la densidad emocional, se convierte en hilo conductor de su obra.

Van Dongen ha desarrollado un lenguaje propio en el retrato al pastel, donde la representación minuciosa de lo real se entrelaza con lo transitorio; la expresión contenida, la vitalidad y la nostalgia. En la superficie de sus obras, trazo y color se funden produciendo una textura que recuerda casi a lo digital. Al acercarse se percibe una cualidad granulada, sutilmente pixelada que recuerda a las distorsiones cromáticas de las cámaras digitales de principios de los 2000. Esta paradoja material, entre lo manual del trazo frente a la estética de la resolución, confiere a las figuras una presencia liminal, como si emergieran de un archivo fotográfico desaparecido o de una memoria SD olvidada.

El pasado ocupa un lugar fundamental en el imaginario de Iris van Dongen. Lejos de abordarlo como una cita o un ejercicio de nostalgia, la artista lo integra como una presencia más en su obra. En sus retratos se encuentra una extraordinaria abundancia decorativa y un lugar central otorgado a las representaciones de la fauna y flora, insinuando recuerdos que llevan a la ornamentación y melancolía del Art Nouveau hasta los tejidos de las muñecas Wayang del teatro de sombras indonesio. Su práctica se inscribe en un entramado de resonancias culturales, del imaginario asiático a la sofisticación ornamental del modernismo europeo hasta ecos de la nostalgia pop de Lana del Rey o el romanticismo oscuro de Siouxsie and the Banshees. Esta intersección de lenguajes conforma su voz singular, un entramado que opera como vehículo de introspección. En sus pinturas, el gesto detenido y la mirada distante transforma la imagen en una suerte de vanitas contemporánea, donde el tiempo, lejos de recordar a la muerte, se encuentra suspendido en un equilibrio entre aparición y desaparición, celebrando la persistencia de lo efímero.

En última instancia, la figura femenina en la obra de Iris van Dongen trasciende la categoría de retrato. No son representaciones de personas reales, sino proyecciones de presencias que emergen de su propio imaginario. Cada una de ellas encarna un estado emocional más que una identidad concreta, habitando un espacio intermedio entre realidad y memoria. En este sentido, estos meta-retratos funcionan como construcciones mentales, donde lo visible y lo íntimo se superponen, revelando a través de una mirada sus intenciones más profundas. Sus figuras parecen sostener una conversación silenciosa con el espectador, una mirada que como en los retratos más enigmáticos de la historia del arte, mantiene viva la tensión entre misterio y revelación.

ENG

Casado Santapau is pleased to present To be at home in the world, the first solo exhibition at the gallery by Dutch artist Iris van Dongen (Tilburg, 1975).

Through a practice that combines dry pastel, pressed charcoal, gouache and acrylic paint on paper, Iris van Dongen presents a series of new portraits in which she recomposes elements from different styles and cultures, from Asian art to Art Nouveau, shaping a new feminine iconography that revisits Pre-Raphaelite sensitivity through a contemporary melancholy. Her work offers a current perspective that dialogues with the legacy of Dante Gabriel Rossetti’s melancholic romanticism and Gustav Klimt’s golden theatricality, where introspection, beauty, and emotional tension intertwine with restrained delicacy. The ambiguous spirituality of Frida Kahlo and the dreamlike sensitivity of Odilon Redon also resonate in her imagery, amplifying the introspective character of her figures.

Among the works in this exhibition, the representations of Judith, the biblical heroine who decapitates Holofernes stand out. Far from a violent interpretation, van Dongen presents her as a symbol of determination, resilience, and autonomy. Van Dongen’s Judiths are neither victims nor avengers; they are witnesses of their time, women who gaze directly, defiantly, from the apparent fragility of graphite and pastel.

“I’m interested in what lies beneath the surface,” says van Dongen. “I work with paper as an intimate territory, vulnerable yet resilient. It’s there that the contradictions of the feminine are drawn: beauty and rage, serenity and strength.” This tension between the visible and the veiled, between technical delicacy and emotional density, becomes the guiding thread of her work.

Van Dongen has developed a distinctive language in pastel portraiture, where the meticulous representation of reality intertwines with the transient; with restrained expression, vitality, and nostalgia. On the surface of her works, line and color blend to produce a texture that almost recalls the digital. Up close, one perceives a grainy, subtly pixelated quality reminiscent of the chromatic distortions of early-2000s digital cameras. This material paradox—between the manual nature of the stroke and the aesthetics of resolution—grants her figures a liminal presence, as if emerging from a vanished photographic archive or a forgotten SD memory card.

The past occupies a fundamental place in Iris van Dongen’s imagination. Far from approaching it as quotation or nostalgic exercise, the artist integrates it as another living presence in her work. Her portraits display extraordinary decorative richness and give central importance to representations of fauna and flora, evoking memories that connect the ornamentation and melancholy of Art Nouveau with the textiles of Indonesian Wayang shadow puppets. Her practice is woven into a network of cultural resonances—from the Asian imaginary to the ornamental sophistication of European Modernism, to echoes of Lana Del Rey’s pop nostalgia or the dark romanticism of Siouxsie and the Banshees. This intersection of languages shapes her singular voice, a web that serves as a vehicle for introspection. In her paintings, the arrested gesture and distant gaze transform the image into a kind of contemporary vanitas, where time—rather than recalling death—appears suspended in a balance between appearance and disappearance, celebrating the persistence of the ephemeral.

Ultimately, the female figure in Iris van Dongen’s work transcends the category of portrait. They are not representations of real people but projections of presences emerging from her own imagination. Each embodies an emotional state rather than a concrete identity, inhabiting a space between reality and memory. In this sense, these meta-portraits function as mental constructions, where the visible and the intimate overlap, revealing through a gaze their deepest intentions. Her figures seem to hold a silent conversation with the viewer—a gaze that, as in the most enigmatic portraits in art history, keeps alive the tension between mystery and revelation.